上海久事美术馆陆续开启了“传统文化在当代”展览季，包括对围棋和人工智能的视觉化解读，对厚德、重礼、雅作、文尚等传统文化与现代艺术的融合，对中青年书法名家作品的新诠释。这也是近两年来上海艺术生态培育出的一个值得研究的案例。

其中，获国家艺术基金扶持的项目成果展“积厚流广·宾礼雅尚——中国传统文化与当代艺术创作展”最值得推介。展览由中央美术学院主办，在上海、北京、深圳三城巡展。这个展览有意思的地方在于，如果仅仅看展览之名，或者在展厅走马观花一圈，会认为这是一个传统的“手工艺”展览。只有进一步去了解策展用意、艺术家创作初衷和作品背后的故事时，我们才会明白这场展览是以传统材料为出发、以当代艺术的思维输出的视觉雕塑展，它的落脚点在于当下正在发生的事件和那些鲜活的人。

很多材料除了传统中国文化中经常会用到的大漆、玉石、金属、瓷器等，还有最寻常不过的材料以出人意料的方式组合，比如吴永平的国礼三件套《角度》系列，用大漆和蛋壳融合在一起，蛋壳的质感如细碎的流萤，在充满光晕感的展厅内很难让人注意到这份美来自“脆弱”；谭勋的《李庄计划#26#27#28》，第一眼看可能会知道是家用铝盆“敲打”出的山石褶皱，作品如同一幅立体的山水画。而了解详情之后才知不少铝盆是汶川大地震时被损坏的，被艺术家拿来作为创作媒介；李东的《坐有坐相》是将废弃电镀椅的座面用红泥和金箔来“做旧如旧”甚至“以假乱真”；合艺术小组的《羊毛物语系列之二》看起来是碎裂的青花瓷片，实际是用羊毛毡以“戏仿”的手法模拟了青花瓷的质感……由此观之，每一件作品都融入了艺术家独特的构思、真实的生活与飞扬的想象，当然还需卓越的技术才能将这些零碎的元素组合成一件精美的作品。好的艺术作品并非永远高高在上，也无非基于双手、劳动和日常的朴素理念。

一件件小器物，既古老又当代。“古老”指的是，对器皿等小物的追求是中华民族向来的审美载体。中国艺术特别注重人与自然山川万物的联结，人的形象、精神往往附着于器皿，与其证明对大自然的征服，不如展现向内心求索的修为。所以我们在中国的博物馆里很少看到金字塔般的纪念碑式建筑构件，也少有栩栩如生的古希腊式大理石雕像，而多是不起眼的瓶瓶罐罐和一些劳动工具的零件……正如巫鸿先生所说：“如果希望真正懂得古代中国艺术的深邃和广大，就必须抛弃现代人对于‘纪念碑式’建筑和‘再现性’风格的偏爱，而去探寻一种完全不同的艺术和美学理想。”基于此，再去看这场展览会别有体会——这就是我们观者的“当代”。

展览从不同角度述说着古老礼仪之邦的含蓄高雅的审美与追求，同时我们的先民也敬畏天地，脚踏实地为生存和文明延续而奋斗。展览中有几件大漆作品颇受关注。漆是从中国土地里生长出来的自然物质，也是迄今中华文明留存的、有据可考的最古老的文物材质之一（跨湖桥考古遗址发掘的漆弓，距今8000余年）。在当代艺术家的手下，它们以别样的面貌经过重组、黏合以及与其他材质如蛋壳、麻布的拼接而重新呈现，加入了艺术家个人的理解和技艺，也融入了当下环境的滋养。

主题“万物自宾”探讨了基于中国哲学的本源论，呼应“万物有灵”的理念，区别于西方哲学的有神论。而东方材料和西方材料创作出来的作品也必然带有各自文化和地域的气息，作品本身的存在比语言更有说服力。不少作品有意运用当代艺术的反讽修辞进行“错位”探讨，比如杨靖的《旋纹孔型器》《璧型器》，用上好的玉做成工业螺帽、螺钉的形状——螺帽、螺钉是不起眼的、廉价的、批量生产的材质，而玉对世世代代的中国人来说是珍贵的、可以传家的，这种“错位”隐喻了现今消费主义汹涌而至对传统文化价值观的冲击。但历史的发展规律本就是曲折前行的，有碰撞和交融、磨合，而后大浪淘沙之下方知真金白银。对于这一点，我们不仅要承继传统优秀文化，更要保持对山川万物的敏锐感知和敬畏之心。

李泽厚先生在《中国现代思想史论》一书中说：“传统既然是活的现实存在，而不只是某种表层的思想衣装，它便不是你想扔掉就能扔掉、想保存就能保存的身外之物。”他认为，真正的传统是已经积淀在人们的行为模式、思想方法、情感态度中的文化心理结构。而历史的解释者自身应站在现时代的基础上意识到自身的历史性，突破陈旧传统的束缚，搬进来或创造出新的语言、概念、思维模式、表达方法、怀疑精神、批判态度，“重新估定一切价值”，以真正继承和发展传统。