近日，2026年第六期“上海市文联文艺家大讲堂”在上海文艺会堂举办，上海市杂技家协会理事、魔术专业委员会副主任金伟带来主题讲座《魔术的“里里外外”》。金伟结合二十多年魔术相关工作经验，从“魔术究竟是什么”讲起，梳理世界魔术发展的关键节点与海派魔术的文脉传承，介绍魔术的分类、赛事与行业生态，并围绕揭秘、魔力、创作路径等热门话题与现场观众面对面交流，为观众揭开魔术“里里外外”的面纱，呈现关于魔术艺术当代发展的系统思考。
从“戏法”到“魔力”
讲座一开始，金伟先厘清了一个基础问题：魔术是什么？他指出，魔术是用特殊的技巧和艺术手段，创作出看上去不可能发生的事情，由此产生惊奇、疑惑、不可思议和预料之外的感受。中国传统文化里，魔术原本叫“戏法”；不同国家对它的描述各有侧重，但核心都指向技巧、变化与超乎预期。
在此基础上，金伟特别区分了两个容易被混为一谈的概念——“魔术效果”和“魔力”。魔术效果，例如一个事物出现或消失，这是从魔术师的角度来看的；而魔力，是这种现象在观众心中产生“怎么可能这样”的心理反应，这是从观众心理学的角度来看的。一个魔术，效果成立了，魔力却不一定同时成立。这个区分贯穿了整场讲座，也是金伟观察行业、讨论创作的一条主线。讲座开篇抛出引人深思的设问：明知魔术并非真实，为何我们依旧会心生惊奇？整场分享正是围绕这一疑问徐徐展开。
从街头到剧场，
从世界到上海
谈到世界魔术的发展，金伟介绍，魔术最早生长在街头集市，数百年来一直有经典的街头魔术节目流传至今，欧洲古画所记录的杯球戏法便是流传数百年的经典范例。这些节目之所以长盛不衰，靠的不是固定的机关道具，而是创作者不断改变表演方式、人物形象、节奏与艺术构思，不断创造新的观众体验。他由此强调：魔术的生命力，不只取决于道具与技术本身，更取决于创作者能否持续刷新观众的感受。
在魔术史上，金伟特别提到了两位关键人物。一位是罗贝尔・乌丹，19世纪的他精通钟表机械，1845年在巴黎开设专门魔术剧场，真正把魔术从街头带进剧场，他提出“魔术师是扮演魔术师角色的演员”，第一次让魔术与戏剧产生关联，也奠定了此后魔术师的舞台角色意识。舞台表演者不必固守传统魔术师人设，可以塑造性格完整、拥有故事的舞台人物。另一位是20世纪40年代著有《魔术师的表演艺术》的达里尔・费茨基，书中提出“人们对人，比对其余任何事情都更感兴趣”，他提醒从业者：观众关注的不仅是手法和道具，也包括舞台上的人，以及这个人正在经历什么。金伟认为，这些观念推动魔术从单纯追求技巧，转向重视演员、人物与观众体验，这正是当代魔术与戏剧融合发展的源头。
张慧冲的魔术表演现场
莫悟奇在表演中
讲完世界，金伟把目光落回上海。他强调，海派魔术并非某个人独立创造，也不是一种固定不变的演法，而是在上海这个中西交融的“文艺大码头”，在文化交流与商业市场共同推动下，逐渐沉淀形成的一种魔术艺术传统。回望历史，张慧冲以大型幻术见长，重视道具设计与舞台规模；莫悟奇等早期魔术师兼顾机关道具制作，把西方魔术技艺与本土表演结合运用，都留下了深远影响。此后莫非仙、周良铁、傅腾龙等一代代传承人接续耕耘，不断丰富海派魔术的艺术样貌。到今天，上海的魔术生态已相当多元，商业演出、专业院团、校园魔术与小剧场并存，上海市杂技家协会开展“魔术进校园”、大学生魔术比赛等项目，持续挖掘培育后备人才，一代代青年魔术人接续登场，成为全国魔术队伍中的一支重要生力军。
魔术的分类、
赛事与行业生态
金伟也为观众揭开了魔术行业的“内行门道”。从表演形式看，魔术大致可分为舞台类与近景类：舞台类涵盖手法、喜剧、心灵、大型幻术、综合等门类，近景类则包括纸牌、微型魔术与厅堂表演。权威的FISM世锦赛设置六大评判维度：技术技巧与操控、原创性、表演魅力与舞台表现、观众体验、艺术印象与节目编排、魔术氛围，评判的是完整作品，绝非单纯比拼技术技巧难度。评判一届赛事的标准，近年来也在悄然变化——舞台表现、观众体验与艺术编排被放到更重要的位置，这意味着行业越来越看重魔术的秘密之外，也看重艺术表达。
他介绍，国际上最具权威的FISM国际魔术联盟成立于1948年，俗称魔术界的“奥林匹克”，三年一届举办世界魔术大赛，中国杂技家协会是其成员单位，2009年曾在北京成功举办一届世锦赛；多位中国大陆魔术师曾站上FISM的领奖台，摘得金、银、铜以及原创奖、发明奖等专项奖项。而在国内，金菊奖是行业重要的全国性专业竞赛奖项。金伟也客观辨析行业内热度很高的梅林奖（IMS）：它属于荣誉表彰，并非FISM式现场竞技赛事，缺少公开透明的评审流程，存在不少行业争议，不能简单冠以“魔术界奥斯卡”的称号；评判一个奖项含金量，应当看评审规则、专业独立性，而不是只参考名人合影与宣传包装。金伟也坦率地谈到，一个魔术如果被观众看破“门子”，价值并不会就此归零——魔术的价值不能只建立在秘密之上，除了机关与手法，它还有艺术表达、人物与情感。这也是他反复强调的：揭秘是双刃剑，未经许可公开原创机关会损害创作者权益；保护秘密固然重要，不断提升作品的艺术品质同样关键。
从技术到表达，
从“效果”到“魔力”
谈及创作，金伟提出了一个核心判断：今天魔术的出路，在于从“效果驱动”走向“表达驱动”。他指出，过去的创作常常是技术先行——先发明机关、再造效果、最后包装成节目；而更符合当代观众期待的路径，是主题先行——先立人物与情节，再让技术与效果为表达服务。这也对应着当今世界魔术的两条路线：技术派与情感派，而后者正在占据主流。他特别提到中国魔术界常说的一句话“三分技术，七分表演”，认为“七分表演”远不止台风与激情，而应包含主题人物、情节结构、心理节奏、舞美灯光等更完整的戏剧性维度。即便不讲述完整故事，魔术创作也应当建立剧本意识，技术决定“能够做到什么”，创作决定“观众感受到什么”。
金伟还谈及一个行业创作困境：魔术效果衰减。随着大众见识增长，观众会自发用钢丝、剪辑等框架去解读魔术，同类效果看得越多，越难感到惊奇。想要维持神奇感，不能只堆砌更高难度技术，更要从观众心理层面创造预料之外的全新体验。
回到讲座开头的问题，金伟总结道：魔术效果成立，并不意味着魔力同时成立。真正让观众感到“不可思议”的，不是简单的“看不破”，而是“明明亲眼看见发生，却违背了我的现实经验与判断”。这种与认知的强烈反差，才是魔术神奇感的重要来源。因此，魔术师面对的是技术难度，观众面对的是现实预期被打破——这是两套不同的评价体系，也是魔术师在走向未来创造路上，最需引起重视的重要内容。
讲座尾声，金伟再次请青年魔术人张宇豪上台，演示讲座开场约5分钟的现场小魔术，让观众看清“魔术”背后的“里子”。最后，金伟用一句话为整场分享收束：“魔术让我们看到不可能，而艺术让这些不可能变得有意义。”——这正是他心中魔术“里里外外”的落点。同时他抛出一道思考题：魔术如何在当代持续保有生命力？既需要技艺传承，更离不开独立的艺术创造。
文编 | 浅草
美编 | 甄诸
摄影 | 金捷
